Embora o termo Pop art seja geralmente associado ao trabalho de artistas que trabalham em Nova York na década de 1960, como Andy Warhol e Roy Lichtenstein, o movimento realmente encontrou sua voz no Reino Unido uma década antes.
Ainda se recuperando da Segunda Guerra Mundial, com uma população falida dependente de rações, os artistas britânicos olharam para o oeste para o novo paraíso consumista indicado pelos Estados Unidos. O pop art britânico surgiu com um ponto de vista de um forte e critico, e com uma saudável ironia às novas imagens visuais decorrentes deste sonho distante de consumo, onde tudo, desde torradas a carros até cremes de beleza, eram mostrados com cores coloridas em páginas brilhantes das revistas ou exibidos na televisão nas mãos das rainhas de beleza com pernas longas.
Como artistas pop britânicos Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton e Peter Blake começaram a usar muito com essa linguagem de marketing Americana do pós-Guerra. Eles iniciaram um movimento significativo longe dos parâmetros tradicionais do que constituiu a arte. Esta separação da tradição também se estendeu às novas técnicas, como colagem e serigrafia comercial – quebrando as distinções ortodoxas entre arte e design, cultura popular e alta cultura e entre produção em massa e individualidade.
O trabalho também complementou, e muitas vezes, foi intrincadamente ligado, a cena da música pop que se originou na mesma época da Grã-Bretanha, marcada por bandas como The Beatles e The Rolling Stones.
Idéias-chave
British Pop Artists visavam abalar uma tradição de arte rançosa em que as obras eram habitualmente relacionadas a temas mitológicos, bíblicos ou emocionais. O pop art tornou-se o veículo de expressar essa fome de mudança. Embora grande parte da sua inspiração tenha sido fundadas na linguagem Dadaista de criar combinações irracionais de imagens aleatórias para provocar uma reação, os artistas pop britânicos encontraram sua base no mundo impetuoso, divertido e ousado da cultura contemporânea.
Seu trabalho prosperou com uma energia jovem e, infundindo seus tópicos com humor, novas imagens começaram a derrubar os parâmetros históricos da arte.
Embora o pop art britânico aproveite-se amplamente da propaganda americana que surgiu do boom do consumidor pós-Segunda Guerra Mundial, ela continua a ser distinta do pop art americano. Isso se deve ao fato de que, enquanto os artistas americanos se inspiraram principalmente pelo que viram e experimentaram dentro de sua própria cultura, o pop art inicial na Grã-Bretanha foi alimentado pela cultura popular americana vista de uma distância.
Mais tarde, à medida que as cenas musicais e de moda de Londres começaram a aumentar, os artistas britânicos começaram a incorporar a cultura de seu próprio país em seu repertório artístico.
Ao utilizar métodos inovadores de publicidade e design, como a impressão de tela e layouts gráficos de estilo collage, os artistas conseguiram construir obras que relembrassem anúncios, capas de álbuns, páginas de revistas populares, cartazes, catálogos e outras propagandas relacionadas ao marketing.
Ao criar obras que refletiram a ressonância dentro do homem comum, o pop art britânico atravessou com êxito o véu entre arte alta e baixa, tornando-o acessível a todos.
Ao tornar a arte essencialmente a respeito da arte, incorporada a uma forte reação adversa à introspecção e ao elitismo que dominaram o Expressionismo abstrato, os artistas pop britânicos re-introduziram a imagem como um dispositivo estrutural.
O sujeito e o objeto tornaram-se a mesma coisa, imediatamente reconhecíveis e sem carga com abstração. Essa neutralidade e literalidade proporcionaram aos artistas a oportunidade de explorar as qualidades físicas e visuais do meio, enquanto pediam ao espectador que reavalia
Matéria por Paulo Varella / ArteRef
A vanguarda russa
